ANSICHTSSACHEN  versteht sich als Wortspiel und Programm zugleich. Der Titel verweist auf die Tradition der Ansichtskarte ebenso wie auf die Subjektivität des Sehens. Historische Postkarten und Fotografien bilden den Ausgangspunkt der künstlerischer Position, werden jedoch aus ihrem ursprünglichen dokumentarischen Kontext gelöst und in neue Bildzusammenhänge überführt. So entstehen Werke zwischen Erinnerung und Imagination, Vergangenheit und Gegenwart, Traum und Realität.Felix Weinold arbeitet mit zufällig gefundenem Bildmaterial, das als offenes, zeitlich aufgeladenes Archiv fungiert. In der künstlerischen Aneignung werden diese Bilder neu strukturiert, verfremdet und emotional aufgeladen. Die scheinbar vertrauten Motive verlieren ihre orientierende Funktion und öffnen sich als Zwischenräume der Wahrnehmung.

Titelbild: Felix Weinold "Taranto" 180x240 cm
 

Felix Weinold, *1960
1982–1988 Studium an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof.
Gerhard Berger, Meisterschüler. Arbeiten in Sammlungen (Auswahl): Bayerische
Staatsgemäldesammlungen, München; Sammlung Würth, Künzelsau; Museum
Gunzenhauser, Chemnitz; Kreditanstalt für Wiederaufbau; Kunstsammlungen
Augsburg; Biblioteca Nacional, Madrid; Sammlung Deutsche Bank, Frankfurt/M.;
SBB Schweizer Bundesbahn; Signal IDUNA, Dortmund; SwissLife, München

Der oberbayerische "Universalkünstler" Erich Zmarsly (1919–1996), der nach dem Zweiten Weltkrieg in Ebersberg wirkte und als prägende Künstlerpersönlichkeit der regionalen Nachkriegsmoderne gilt, war außergewöhnlich vielseitig tätig – als Zeichner, Maler, Bildhauer, Grafiker, Möbeldesigner und Gestalter – und arbeitete mit Materialien wie Holz, Stein, Keramik und Metall.

Duo-Ausstellung mit Bettina Kiebler

und Karolin Schumann

In einer Gegenwart, die von künstlicher Intelligenz, technologischer Beschleunigung und gesellschaftlichen Transformationsprozessen geprägt ist, stellt sich die Frage, wie Zukunft entsteht und auf welchen Voraussetzungen sie beruht.

Die Duo-Ausstellung Zukunft braucht Herkunft nähert sich dieser Frage aus zwei unterschiedlichen, bewusst aufeinander bezogenen künstlerischen Perspektiven. Im Zentrum steht der Mensch – seine emotionalen Zustände, seine Wahrnehmung, seine Erinnerung und seine Projektionen.

Zwei Positionen im Dialog

Die Ausstellung vereint
– eine digitale, KI-gestützte Porträtarbeit, die mit historischen Bildtraditionen, kulturellen Referenzen und gespeicherten Bildgedächtnissen arbeitet,
– und eine analoge, abstrakte Malerei, die über Materialität, Farbe, Rhythmus und körperliche Geste emotionale Zustände erfahrbar macht.

Die beiden Positionen sind nicht als Gegenüberstellung konzipiert, sondern als dialogische Beziehung.

Das Prinzip des Werks im Verbund

Zentrales kuratorisches Element ist das „Werk im Verbund“. Jede thematische Einheit besteht aus zwei Arbeiten, die gemeinsam entwickelt, präsentiert und vertrieben werden. Ausgangspunkt ist ein gemeinsamer Begriff – etwa Sehnsucht, Verlust, Aufbruch oder Hoffnung.
Das digitale Porträt formuliert diesen Begriff als Bild des Menschen, als Projektion, Erinnerungsfragment oder kulturelle Referenz.
Die abstrakte Malerei übersetzt denselben Begriff in Farbe, Struktur und Bewegung.

Die Arbeiten sind nur gemeinsam lesbar und werden ausschließlich als Einheit angeboten.

Gesellschaftlicher Kontext

Die Ausstellung versteht sich nicht als Gegenüberstellung von „analog“ und „digital“, sondern als Untersuchung ihrer wechselseitigen Bedingtheit. Zukunft erscheint hier nicht als Bruch, sondern als Weiterführung und Transformation vorhandener kultureller, ästhetischer und materieller Grundlagen.

Die digitale Arbeit verweist auf Herkunft im Sinne von Bildgeschichte, kollektiver Erinnerung und visueller Tradition.
Die analoge Malerei verweist auf Körperlichkeit, Material, Handwerk und unmittelbare menschliche Präsenz.

Im Zusammenspiel entsteht ein Resonanzraum, in dem deutlich wird, dass technologische Werkzeuge das Menschliche nicht ersetzen, sondern in einen erweiterten Kontext stellen.

Ziel der Ausstellung

Zukunft braucht Herkunft versteht sich als offenes Angebot zur Reflexion. Die Ausstellung verbindet digitale Konstruktion und analoge Präsenz,

ohne sie zu bewerten oder hierarchisieren. Sie zeigt Kunst als einen Ort, an dem technologische Entwicklungen und kulturelle Kontinuitäten

gemeinsam gedacht werden können.

Skulptur und Malerei   

 
Eröffnung: 14.10.2022,19 Uhr

14.10.-23.12.2022

Mag Malerei vordergründig als farbige Darstellung auf einer glatten Fläche ver-
standen werden, so drängt doch mancher Künstler danach, diese Zweidimensiona-
lität zu durchbrechen oder gar zu verlassen. Christofer Kochs hat hierzu eine ganz
eigene Gestaltungsweise entwickelt. Die Leinwand wird gefaltet, teilweise mit ge-
rissenen Leinwandstreifen doubliert. Figuren finden hier Halt und einen Aktions-
ort. Sie treten zwischen den Streifen heraus, rudern über die Faltenwellen, leben
mit und gegen das Vorgefundene und überwinden es schwebend. Der Malerei und
Graphik steht das bildhauerische Werk kongenial gegenüber. Dass es dem Künst-
ler auch hier nicht um geschlossene Formen und glatte Oberflächen geht, versteht
sich fast von selbst. Sein Werkzeug dringt tief in das Holz, durchformt die Körper
zu prägnanten Faltengebilden oder durchbricht sie und höhlt sie aus.
Christofer Kochs, 1969 in Osnabrück geboren, studierte 1992-1996 an der Akade-
mie der Künste in München und erhielt bereits 1995 den Lucas-Cranach-Förder-
preis in Kronach. Zahlreiche weitere Auszeichnungen folgten.Kochs lehrt an der
Hochschule Augsburg. Seine Ausstellungen führten ihn u.a nach Berlin, Köln,
Amsterdam, Sydney und New York.
 »Wiedersehen mit der Gegenwart«,
Holzschnitt, Öl, 140 x 100 cm

Petar Koši

Biografische Daten

1995 geboren in Zagreb/Kroatien

2015 - 2020 Zagreber Akademie der bildenden Künste.

2020 Diplom bei prof. art. Petar Barisic Bildhauerei.

Erster Preis "Rektorova nagrada" für team- und wissenschaftlicheArbeit  zum Thema „internationaler Gedenktag an die Holocaust Opfer“.

 Zahlreiche Gruppen und Einzelausstellungen in Kroatien, Slowenien und Spanien .

BODY IN TRANSITION - Matter and spirit relation

"Košis Arbeit lenkt die Wahrnehmung auf die Suche nach Gegenseitigkeit der Idee und ihrer Materialisierung.Es ist eine Rede von abstrakten, dynamischen Formen, Spielen von reinen Volumen ohne Mimetik, nur bewahrte sensorische Assoziativität."

Petar Koši gehört zu einer Gruppe junger kroatischer Künstler mit einem frischen Diplom der Zagreber Akademie der Bildenden Künste, die sich bereits durch die Qualität ihrer künstlerischen Arbeit als Träger der neuen Kunstszene hervorheben. Dieser junge akademische Bildhauer verwirklicht seine positive künstlerische Bilanz, die in dieser Ausstellung präsentiert wird, durch Skulpturen und eine Reihe von Zeichnungen. Mit ihnen sublimiert er seine an der Akademie begonnenen künstlerischen Beschäftigungen, denen der Wunsch nach „der Verwirklichung einer abstrakten Version des menschlichen Körpers im Material“ zugrunde liegt.

Das Vorhaben führte zu zahlreichen Studien, Zeichnungen und Skulpturen des menschlichen Torsos. Ausgangspunkte natürlich im Anthropomorphen und Organischen, Finale aber in der geometrischen, völlig abstrahierten Form von unregelmäßigen Sechsecken oder Kreisformen und weich geschwungenen Linien in der Zeichnung. Der Torso, in der ursprünglichen Vervielfältigung des jungen Koši als attraktivster Teil des menschlichen Körpers , wird zu einer Form, die zu seinem persönlichen künstlerischen und semantischen Zeichen – dem Torso – heranwächst. In einer Reihe von Zeichnungen wird er zu einer Legion, in skulpturalen Metalltriptychen sowohl zu einem Körper als auch zu seiner Schutzrüstung.

Rüstung, sowohl als buchstäbliches als auch als symbolisches Motiv der Ausstellung, wirft Fragen und Zweifel über ihren Zweck auf, die Schädlichkeit, durch das Tragen einer "emotionalen" Rüstung falsche Sicherheit zu schaffen, die eigene Schwäche und Verwundbarkeit unter einem vermeintlich sicheren Schild zu verbergen . Mut und Unberührbarkeit. Aber indem es zu einem Faktor falscher Sicherheit wird, kann es zu einem integralen, untrennbaren Teil unseres Wesens werden und eher zu einer Last als zu einer Sicherheit werden.

Wie mundgeblasen

stehen sie

aufgereiht

ihre Körper wie Nymphen

die Töchter der Penelope

das Licht

gibt ihnen Kraft

Martin Potsch ist Designer aus München.

Glas ist die Leidenschaft, der er sich seit 20 Jahren hingibt. 

Zunächst als Sammler von klassischem Formglas. Im Sommer

2014 dann eine erste Kooperation mit der Glasfachschule

Zwiesel und die Entscheidung, mit dem Werkstoff Glas zu arbeiten.

Seit 2018 Kooperation mit der Glashütte Gernheim bei Minden(NRW)

Seit 2016 Zusammenarbeit mit dem Einrichtungshaus

Böhlmer im Tal, München.

Seit 2018 bei Stefan Vogdt, Galerie der Moderne, München

 Seit  2020 vertreten durch Galerie Karl Kemp, New York 

In öffentlichen Sammlungen:

Museum Kunstpalast, Düsseldorf Glasmuseum Hentrich

Neu in der KUK44

Alessandro Serafini:

"Die Landschaft einer Menschlichen Seele liegt in ihrem Blick"